블루스와 스타일 반주

12마디 블루스: 세 코드로 된 형식

블루스는 20세기 초 미국 남부의 아프리카계 미국인 공동체에서 자라난 음악입니다. 1910년대에 W. C. 핸디 같은 작곡가가 악보로 출판하면서 널리 퍼졌고, 재즈·리듬 앤드 블루스·로큰롤·록·펑크의 공통 조상이 되었습니다. 블루스의 뼈대는 놀랄 만큼 단순합니다. 세 코드(I, IV, V)가 12마디 블루스(12-bar blues)라는 정해진 순서로 돌아갑니다. 가사는 대개 AAB 형식입니다. 첫 줄(4마디)을 부르고, 같은 줄을 IV 코드 위에서 한 번 더 부르고(4마디), 셋째 줄은 V에서 시작해 앞의 두 줄에 '대답'합니다(4마디). 음악 형식이 곧 이야기의 형식인 셈입니다.

블루스의 두 번째 특징은 세 코드가 모두 속7화음(Dominant seventh)이라는 점입니다. C 장조의 고전 화성에서 7화음 C–E–G–B♭은 "F로 가야 할" 불안정한 코드(V7/IV)지만, 블루스에서는 해결되지 않고 그 자체가 집입니다. I7–IV7–V7 모두 장3도와 단7도를 함께 품고 있어서, 장조인지 단조인지 애매한 블루스 특유의 색이 생깁니다. 속7화음의 단7도는 배음렬의 7번 배음과 관계가 있다고 설명하기도 합니다. 기본음의 7배 주파수를 옥타브 안으로 접으면 비율이 7:4가 되는데, 이것은 평균율 단7도보다 31센트쯤 낮은 음입니다.

12마디 블루스에는 변형이 많습니다. 퀵 체인지(Quick change)는 2마디를 IV7로 잠깐 갔다 오는 것이고, 마이너 블루스는 i7–iv7을 쓰고 9–10마디에 ♭VI7–V7을 놓습니다. 재즈 연주자들은 여기에 ii–V를 잔뜩 끼워 넣어 '재즈 블루스'를 만듭니다(10장). 그러나 어떤 변형이든 12마디라는 길이와 "I에서 시작해 IV로 갔다가 V에서 긴장하고 I로 돌아온다"는 큰 틀은 그대로입니다. 그래서 처음 만나는 연주자끼리도 "C 블루스!" 한마디면 바로 함께 연주할 수 있습니다.

스윙: 긴–짧은 8분음표의 비율

블루스와 재즈 악보에 적힌 8분음표 두 개는 같은 길이로 치지 않습니다. 앞의 음을 길게, 뒤의 음을 짧게 치는 스윙(Swing) 또는 셔플(Shuffle)이 기본입니다. 악보 첫머리에 "Swing"이나 "♫ = ♩³♪"처럼 적어 두고, 본문은 보통 8분음표로 씁니다. 매번 셋잇단음표로 적으면 악보가 너무 복잡해지기 때문입니다. 따라서 스윙은 '적힌 대로'가 아니라 '약속대로' 연주하는 리듬입니다.

스윙을 수로 나타내면 한 박을 나누는 비율입니다. 앞 8분음표 길이 : 뒤 8분음표 길이 = $r : 1$을 스윙 비율(Swing ratio)이라 합니다. $r = 1$이면 정박(스트레이트), $r = 2$이면 셋잇단음표의 2+1, $r = 3$이면 점8분+16분의 '딱딱한' 셔플입니다. 뒷박이 놓이는 위치는 한 박 $T$의 $s$ 지점입니다.

실제 연주자의 스윙 비율은 하나로 정해져 있지 않습니다. 재즈 드러머의 라이드 심벌을 측정한 연구(프리베리와 순드스트룀, 2002)에서는 느린 템포에서 비율이 3:1을 넘기도 하고, 템포가 빨라질수록 작아져 아주 빠른 곡에서는 1:1에 가까워졌습니다. 빠른 템포에서는 짧은 음을 더 짧게 만들 시간이 없기 때문입니다. 또 솔로이스트는 리듬 섹션보다 비율을 작게(더 곧게) 연주하는 경향도 보고되었습니다. 결국 2:1은 '평균적인 출발점'이고, 좋은 스윙은 곡과 템포에 따라 미세하게 조정됩니다.

부기우기와 셔플 왼손

부기우기(Boogie-woogie)는 왼손이 쉬지 않고 8분음표(대개 셔플)로 굴러가는 블루스 피아노 스타일입니다. 1920년대 남부의 술집과 '렌트 파티'에서 자랐고, 클래런스 '파인톱' 스미스의 「Pinetop's Boogie Woogie」(1928) 녹음으로 이름이 퍼졌습니다. 1938년 카네기 홀 공연 「From Spirituals to Swing」에서 앨버트 애먼스, 미드 럭스 루이스, 피트 존슨이 연주한 뒤로는 전국적인 유행이 되었고, 이 왼손은 그대로 로큰롤 피아노와 록 기타 리프의 원형이 되었습니다.

부기우기 왼손은 몇 가지 '틀'의 변형입니다. 가장 기본은 근음 위에 5도와 6도를 번갈아 얹는 셔플 5–6입니다. 새끼(5)는 근음에 그대로 두고, 검지(2)와 엄지(1)가 5도와 6도를 오갑니다. 6 다음에 ♭7까지 올라가면 5–6–♭7–6, 근음에서 3–5–6–♭7을 거쳐 다시 내려오는 한 줄 선율은 워킹 부기입니다. 손이 큰 사람은 각 음을 옥타브로 끊어 치는 옥타브 부기로 힘찬 소리를 냅니다. 어느 것이든 마디마다 같은 모양을 코드 근음으로 옮기기만 하면 되므로, 모양을 '조에 독립적인 손 모양'으로 외우는 것이 핵심입니다.

블루스 스케일과 첫 즉흥

즉흥 연주가 막막한 가장 큰 이유는 "아무 음이나 쳐도 틀린 것 같아서"입니다. 블루스는 이 문제에 대한 가장 오래된 해법을 줍니다. 단조 펜타토닉(R–♭3–4–5–♭7)에 ♭5 하나를 더한 여섯 음, 블루스 스케일(Blues scale)입니다. C에서는 C–E♭–F–G♭–G–B♭. 이 여섯 음은 12마디 내내 I7·IV7·V7 어느 코드 위에서도 '블루스답게' 들립니다. 장3도(E) 위에 단3도(E♭)를 치는 충돌조차 블루스에서는 의도된 색입니다. 밝은 쪽을 원하면 장조 블루스 스케일(R–2–♭3–3–5–6, C–D–E♭–E–G–A)을 씁니다.

♭3, ♭5, ♭7을 흔히 블루 노트(Blue note)라 부릅니다. 그러나 가수나 기타리스트가 내는 블루 노트는 평균율의 E♭이나 E처럼 딱 떨어지는 음이 아니라, 그 사이를 미끄러지거나 그 중간에 머무는 음입니다. 이론가들은 이를 단3도(6:5)와 장3도(5:4) 사이의 '중간 3도', 하모닉 7도(7:4) 같은 비율로 설명하려 했지만, 정해진 하나의 값이 있는 것은 아닙니다. 피아노는 음높이를 휘게 할 수 없으므로 이 '사이'를 다른 방법으로 암시합니다. 다음 절의 크러시 음이 그 방법입니다.

첫 즉흥은 제약을 걸수록 쉬워집니다. 아래 즉흥 스테이션에서 다음 순서를 따라 해 보세요. ① 세 음만: C, E♭, F로만 2마디 '질문'을 하고 2마디 쉽니다. ② 리듬 하나: 같은 리듬(예: 쿵–따–쿵, 쉼)을 음만 바꿔 반복합니다. ③ 질문과 대답: 1–2마디에 친 프레이즈를 3–4마디에 조금 바꿔 대답합니다. 블루스 가사의 AAB가 바로 이 구조입니다. ④ 코드톤 착지: 프레이즈의 마지막 음을 지금 코드의 구성음(건반의 청록 점)에 놓습니다. 쉼표가 음만큼 중요하다는 것을 잊지 마세요.

크러시 음과 꾸밈음: 건반으로 음을 휘기

기타는 줄을 밀어 올려(벤딩) E♭에서 E로 음을 연속적으로 바꿀 수 있지만, 피아노의 해머는 고정된 현만 칩니다. 블루스 피아니스트들은 이 한계를 두 가지 손기술로 넘었습니다. 첫째는 크러시 음(Crushed note, Acciaccatura)입니다. 이탈리아어 acciaccare(으깨다)에서 온 말 그대로, 이웃한 두 건반(예: E♭와 E)을 거의 동시에 누르고 아래 음만 곧바로 놓습니다. 귀에는 두 음이 부딪치는 '불협'이 순간 들렸다가 E로 정리되어, 음이 미끄러져 올라간 듯한 인상이 남습니다. 둘째는 검은 건반에서 흰 건반으로 손가락을 미끄러뜨리는 앞꾸밈음입니다. 같은 손가락(대개 2번이나 3번)으로 E♭를 누른 채 건반 앞쪽 경사를 따라 E로 미끄러져 내려옵니다.

이 효과가 통하는 이유는 청각의 시간 해상도에 있습니다. 두 음의 간격이 수십 밀리초 이하이면 귀는 그것을 따로 떨어진 두 사건이라기보다 하나의 '움직이는' 음으로 묶어 듣는 경향이 있습니다(시간적 통합, MusicBook: 심리음향). 꾸밈음이 너무 길면(박의 1/4 이상) 별개의 음표처럼 들리고, 너무 짧으면 실수처럼 들립니다. 블루스 피아노에서는 대략 30–80 ms가 자연스럽습니다. 아래 실험실에서 길이를 바꿔 가며 '휘는 느낌'이 가장 잘 사는 지점을 찾아보세요. 클래식의 앞꾸밈음 규칙과 트릴은 12장에서 다룹니다.

컴핑: 리듬이 반주를 결정한다

재즈에서 반주하는 일을 컴핑(Comping, accompanying/complementing)이라 부릅니다. 컴핑의 핵심은 '어떤 화음을'보다 '언제' 치느냐입니다. 베이스가 박마다 걷고 드러머가 라이드 심벌로 박을 채우는 동안, 피아노가 같은 박을 또 치면 소리가 탁해집니다. 그래서 재즈 피아니스트는 박과 박 사이(뒷박)에 화음을 '찔러' 넣어 리듬에 대화를 만듭니다. 가장 유명한 틀이 찰스턴(Charleston)입니다. 1923년 제임스 P. 존슨의 노래 「The Charleston」에서 이름을 딴 리듬으로, 1박에 한 번, 2박 뒷박(2&)에 한 번(점4분 + 8분)을 칩니다.

컴핑의 보이싱은 근음을 빼는 것이 보통입니다. 베이스가 근음을 연주하므로 피아노는 3·7도와 텐션(9·13)만 가운데 음역(대략 D3–C5)에 놓습니다. 이것이 10장의 루트리스 A·B형 보이싱입니다. ii–V–I에서 A형과 B형을 번갈아 쓰면 손이 거의 움직이지 않고 한두 음만 반음·온음씩 미끄러져 다음 코드가 됩니다. 아래 시뮬레이터에서 리듬을 직접 찍어 보세요. 같은 화음이 리듬만 바꿔도 얼마나 다르게 들리는지가 이 절의 요점입니다.

같은 진행, 여섯 가지 스타일

이제 이 장과 8장에서 배운 패턴을 한데 모아 봅시다. 진행 하나(예: I–vi–IV–V)를 정해 두고 스타일만 바꾸면, 스타일이 결국 몇 개의 손잡이(템포, 스윙 비율, 왼손 패턴, 오른손 리듬, 코드 확장, 드럼)를 어떻게 돌리느냐의 문제라는 것이 보입니다. 아래 표는 각 스타일의 '지문'입니다.

래그타임(Ragtime)은 스콧 조플린(1868–1917)의 「Maple Leaf Rag」(1899)으로 대표되는, 행진곡 형식에 오른손 싱커페이션을 얹은 피아노 음악입니다. 왼손이 낮은 베이스와 가운데 화음을 번갈아 치는 '쿵–짝'은 행진곡에서 왔고, 1920년대 할렘의 스트라이드 피아니스트들은 이 왼손을 훨씬 넓고 빠르게 만들었습니다. 조플린의 곡들은 공유 저작물이므로 악보를 자유롭게 구해 연습할 수 있습니다. 조플린은 악보에 "Not fast"라고 적어 두기도 했습니다. 래그타임은 원래 스윙하지 않고 곧게 칩니다.